Proyecciones 2022

PROYECCIONES
EN LA PLAZUELA
DE LAS ARTES

AIAR. Semilla del Origen

de Ana Zavala y Elba Bravo

Función: 3 de marzo
Hora: 19.00 horas
Lugar: Plazuela de las Artes
Público recomendado: apta para todo público

Duración: 15 minutos
Género: Videodanza

Sinopsis

En la leyenda andina y mito de origen la Hermandad Aiar (citada por el cronista nativo de Cusco, don Juan de Santacruz Pachakuti Iamki Salkamaiua en 1613), se muestra una sociedad que colapsa, luego viene el cataclismo y el diluvio, un fin del Tiempo, el mundo se da la vuelta y aparece la Semilla: una nueva humanidad, con la misión de reconstruir la civilización andina.

En su forma arquetípica, aparecen los dones y características para recordar a los sobrevivientes la esencia del tejido social ancestral andino; basado en volver a ser silvestre (“salqa”) y hacerse “uno” con la naturaleza, retomando la armonía y el balance en la dulce conversación entre Pachamama-Pachakamak (la complementariedad sagrada), para tener las raíces para restablecerse y sostenerse en el futuro, protegiendo y criando a todas las especies venideras en la nueva tierra.

En estos tiempos de ceguera, manipulación y exclusión, se acude al tejido ancestral, al mito, a las leyendas de origen, para encontrar y poner en valor, desde un lenguaje poético, los símbolos que sostengan a la nueva generación y que le permitan tomar acción. Llegamos a la Semilla como concepto cíclico de lo Eterno, de lo que nace, crece, florece, muere y renace. Una Semilla que nos transmite la esperanza de un nuevo ciclo, una necesidad de cambio de paradigmas en las estructuras patriarcales, políticas, éticas y sociales, en búsqueda de revalorizar la cosmovisión de los pueblos originarios como base de la sensibilización humana.

Ficha técnica y artística

Dirección: Ana Zavala y Elba Bravo
Intérpretes: Marisel La Rosa, Roly Dávila, Anaí Mujica, Omar Cruz
Cámara: Natalia Vizcarra Soberón, Ana Zavala, Roly Dávila
Edición: Natalia Vizcarra Soberón
Voces: Ximena Menéndez, Alonso Núñez, Omar Cruz, Ana Zavala
Violín: Pedro Raúl Ávila Tecco
Musicalización y posproducción: Salvador Mercado
Producción general: Ana Zavala y Elba Bravo

Ana Zavala Ríos (Perú)

Lima, Perú. Artista independiente en Íntegro Grupo de Arte. Es bailarina y coreógrafa. Su trabajo está basado en la interculturalidad y relaciones transdisciplinarias. La hibridación y experimentación en lenguajes corporales, que parten de estudios en danza contemporánea, danza tradicional, danza butoh y meditación, la conducen a la investigación de tradiciones y chamanismo como forma de búsqueda espiritual y memoria. Ha recibido becas para investigación y residencias de arte en Darphana Performing Arts en India, Bogliasco Foundation en Italia y Baryshnikov Art Center en Nueva York. Es educadora y trabajó en la Escuela Nacional de Arte Dramático en Lima, fue directora del Teatro de la Universidad Mayor de San Marcos en Lima, Perú, y profesora en la Universidad Nacional Autónoma de México. Como gestora cultural, ha participado en concursos, exposiciones y residencias de arte en universidades, galerías y centros culturales en el Perú y en el extranjero. Como artista realiza arte escénico, performances, acciones simbólicas y site-specific basados en el estudio de tradición, identidad y nuevos paradigmas. Ha participado en encuentros de arte y educación, así como en seminarios de danza y teatro. Sus piezas y obras en artes escénicas se presentan en festivales internacionales de Bogotá, Croacia, Colonia, Hamburgo y México, entre otros países. Actualmente reside en Lima y realiza talleres y seminarios independientes.

Elba Rosa Bravo Gogny (Perú)

Educadora, terapeuta, investigadora. Ha participado en la creación e implementación de programas educativos con una pedagogía basada en la sabiduría ancestral andina e interculturalidad bilingüe. Amplia experiencia de trabajo capacitando maestros de zonas rurales, especialmente en el desarrollo de sus capacidades y creación de programas educativos pertinentes a zonas andinas. Ha participado en el diseño y la gestión de proyectos y programas de desarrollo. Durante los últimos 20 años ha investigado la visión del caos y el cosmos andino, su relación con el arte, la educación, la cultura y la salud integral del ser humano.

¿Por qué ver la obra?

En este tiempo de hipertecnología y cambios de paradigmas, es importante reflexionar sobre el retorno a la naturaleza y pensar en futuros compartidos.

Temporadas y presentaciones:

FESTIVAL SÓTANO 2 2021

Veredita Alegre

de Inés Coronado y Carla Coronado
Compañía Mundana

Función: jueves 3 de marzo
Hora: 19.00 horas
Lugar: Plazuela de las Artes
Público recomendado: apta para todo público

Duración: 20 minutos
Género: Videodanza

Sinopsis

Las veredas pueden ser alegres, acogedoras; otras veces, solitarias, nostálgicas o amenazantes. Muchas personas con cuerpos diversos viven en confinamiento, no por la pandemia, sino por otros motivos, como la falta de accesibilidad y la inseguridad que generan los prejuicios o el acoso callejero hacia quienes salen de los moldes hegemónicos de nuestra sociedad. En este escenario, cinco bailarinas van guiando al público a través de sus testimonios “acuerpados” y se van encontrando con elementos de la calle con los cuales se construye la dramaturgia de la pieza.

Ficha técnica y artística

Dirección artística: Carla Coronado e Inés Coronado
Bailarinas: Anabelí Pajuelo, Angellina Miladi, Carla Coronado, Inés Coronado, María Fernanda Aronés
Asistencia de dirección: Macarena González y Jimena Leyva
Dirección audiovisual: María Clara Valença
Cámara y fotografía: Carlos Chávez
Asistencia de rodaje: Mateo Arnillas
Composición musical: Negra Valencia
Edición: Ignacio Vigo
Diseño sonoro: Raian Valença
Producción general: Mundana y Capaz Perú
Producción audiovisual: Déborah Grandez
Asistencia de producción: Alí Bravo
Subtitulado accesible: Déborah Grandez

Inés Coronado (Perú)

Inés Coronado es artista escénica y educadora, codirectora de la Compañía Mundana, desde donde difunde su trabajo de investigación en movimiento y creación con un enfoque inclusivo. Forma parte del equipo pedagógico de La Tarumba desde el 2009. Profesora de la Diplomatura de Pedagogía en Danza y Artes del Movimiento de la Facultad de Artes Escénicas-PUCP desde el 2016.

Carla Coronado (Perú)

Carla Coronado es bailarina, directora escénica e investigadora de movimiento corporal. También se especializa en educación creativa. Codirige la compañía de danza Mundana.

Colabora con la red activista feminista Collera. Actualmente ha diseñado y brinda su práctica de movimiento y consciencia corporal Cósmica Sur.

¿Por qué ver la obra?

Es una obra que busca sensibilizar al espectador con respecto al uso del espacio público como un lugar de convivencia, donde debe primar el respeto y el cuidado por la otra persona. Nos permite reflexionar sobre la necesidad de las mujeres de corporalidades diversas de transitar la calle sintiendo que es un espacio seguro y accesible. El enfoque inclusivo se da no solo en la conformación del elenco, sino también en el cuidado por la accesibilidad con la que esta obra ha sido creada.

Premios:

El proyecto “Veredita alegre” ha sido ganador de los Estímulos Económicos para las Artes Escénicas 2021, del Ministerio de Cultura del Perú.

En su primera etapa de investigación, el proyecto realizó una conversa performática y un taller de danza creativa gracias a las Líneas de Apoyo COVID-19 del Ministerio de Cultura del Perú. El proyecto fue seleccionado por Plantel Residencia Site Specific (Argentina), siguiendo un acompañamiento de la experiencia artística en el espacio público.

Temporadas y presentaciones:

“Veredita alegre” se presentó por primera vez, en formato virtual, el 15 de octubre del 2021, inaugurando el II Encuentro de Arte y Discapacidad (Eadis).

Proyección virtual en el II Festival Internacional de Danza Contemporánea “Geografías Corporales-Mapas de la Piel” de Boyacá, Colombia.

Presentación presencial en el Encuentro Internacional de Arte Inclusivo de Cali, Colombia.

Proyección virtual en la sexta edición de Aura 2021 Festival de Artes Escénicas de La Plata, Argentina.

Proyección virtual en el IX Encuentro de Artes Inclusivas Otros Territorios, de México.

Una Hebra

Compañía Una Hebra

Función: jueves 3 de marzo
Hora: 19.00 horas
Lugar: Plazuela de las Artes
Público recomendado: mayores de 14 años

Duración: 12:15 minutos
Género: Videodanza

Sinopsis

Siete mujeres que transitan individualidades solitarias, que habitan sus propios territorios y lo defienden del mundo exterior, se encuentran. Juntas, empiezan a soltar sus ataduras para crear un espacio conjunto, donde cada una tiene el permiso de ser quien quiere ser. Las ataduras son compartidas para liberar y transformar una nueva realidad: Una Hebra; aquella en la que estas siete mujeres se contienen, se acarician y se escuchan incondicionalmente hasta llegar a sentirse una sola.

Ficha técnica y artística

Dirección y coreografía: Compañía de Danza Una Hebra
Intérpretes (por orden de aparición): Natalia Garrido Lecca Uranga, Paula Peña Torres, Gabriela Tudela Ramos, Verónica Garrido Lecca Uranga, María Ángela Talavera Tejeda, Haziel Gutiérrez Assen, Arianne Gubbins Drinot
Producción: Compañía de Danza Una Hebra
Dirección de foto y cámara: conPiña media-Angelo Ramírez y César Safra
Tomas aéreas de dron: Luis Arturo López
Edición y diseño de sonido: conPiña media-César Safra
Música: “Mountain Solitude” – Moorland Songs “Reverse” – Silver Maple “Once in Kioto” – Ava Low “In the Backseat” – Hampus Naeselius
Espacio creativo: academia de danza Collage

Compañía de Danza Una Hebra (Perú)

La Compañía de Danza Una Hebra nace de la necesidad de siete bailarinas de moverse, entrenar y enriquecer sus procesos creativos en danza y movimiento durante la pandemia. Bajo un contexto de incertidumbre, en diciembre del 2020, las primeras búsquedas giraron en torno a las amenazas y emociones que cada artista traía de su día a día. Dentro de cada una de estas individualidades, se empezó a encontrar y construir un lenguaje común, donde el sostener y ser sostenido, el guiar y dejarse ser guiado condujo al encuentro de un círculo de empatía y unidad colectiva. Una Hebra trabaja desde la exploración constante de movimiento y su relación con las emociones, los sentidos y otras artes, ya sea a través de la improvisación por contacto, el movimiento consciente o desde las técnicas de danza contemporánea que cada una maneja. No hay roles establecidos, cada proceso creativo es autónomo y distinto. Durante el primer año de compañía, se han creado y producido dos piezas de videodanza: “Una hebra”, que fue parte del 33 Danza Nueva, Festival Internacional de Danza ICPNA, y “Las que habitan”, donde María Ángela Talavera, integrante de la compañía, dirigió la pieza para el Festival “A Solas Danza” del Centro Cultural de España. Actualmente, la compañía se encuentra en un laboratorio escénico junto con Pachi Valle Riestra.

¿Por qué ver la obra?

“Una hebra” es un viaje sensorial donde siete mujeres transitan espacios e individualidades distintas que las llevan a encontrarse en una unidad de poder femenino y empatía constante. En contexto de pandemia, esta obra nos invita a comprender cómo todo se conecta y cómo el ser humano tiene una necesidad innata de sostener y ser sostenido, de mirar y ser mirado, de tocar y ser tocado. “Una hebra” “interpela, nos cuestiona, nos viene a recordar que somos naturaleza y que si queremos sobrevivir tenemos que respirar juntos, de manera colectiva” (Maurial, 2021).

Temporadas y presentaciones:

Selección oficial para el 33 Danza Nueva, Festival Internacional de Danza del ICPNA.

Limpiar la Sangre

de Nishme Súmar y Luisa Pardo
Dirigido por Nishme Súmar

Función: jueves 10 de marzo
Hora: 19.00 horas
Lugar: Plazuela de las Artes
Público recomendado: mayores de 14 años

Duración: 50 minutos
Género: documental de autoficción

Sinopsis

En esta pieza de video documental de autoficción, la directora y dramaturga Nishme Súmar reflexiona sobre la historia del conflicto palestino-israelí, la violencia intrínseca de la ocupación israelí en territorio palestino y cómo estos hechos podrían ser el origen de heridas familiares transmitidas de generación en generación, quedando impresa la violencia en la memoria de la familia, incluso después de abandonar Palestina rumbo a una tierra tan lejana como Perú.

La autora, a través de sí misma como personaje, intenta dar respuesta a las preguntas que se ha hecho desde hace casi treinta años, haciendo un viaje desde el Perú para recuperar la casa de su familia paterna en Palestina. Es ahí donde esta mujer entenderá eso que durante años ha preguntado al mundo, ese algo tan parecido a una carta escrita en otro idioma. El personaje descubrirá la misión que su abuelo, el padre de su padre, le dejó el día de su muerte. La autora enuncia así desde un lugar liminal de su vida presente, encontrando una zona orgánica de disputa, en donde la memoria personal y la social se hacen una.

Ficha técnica y artística

Dirección e interpretación: Nishme Súmar
Dramaturgia: Nishme Súmar y Luisa Pardo
Director adjunto: Steven Buendía
Edición: Jimena Mora y Gabriela Urco
Diseño de sonido: José Balado
Cámara: Nathaniel Furgang y Jorge Fermi
Asistentes de cámara: Fernanda Pozo y Kathya Romero
Fotografía: Oren Ziv y Rodrigo Abd
Diseño de arte: Sandra Estela
Fotografía de portada/fotos de ensayo: Rodrigo Abd

Producción: Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

Sobre la directora:

Nishme Súmar (Perú)

Directora y dramaturga con más de 20 años de experiencia. Ha dirigido obras clásicas y contemporáneas, generando lecturas propias y buscando lugares de enunciación específicos y liminales entre la memoria personal y la memoria social. Su búsqueda artística se distingue por la constante exploración de diferentes lenguajes escénico-visuales, en donde el movimiento, la plástica, la poética de los objetos y la utilización particular del espacio, son ejes transversales.

Sobre las dramaturgas:

Nishme Súmar (Perú)

Sobre las dramaturgas:

Luisa Pardo (México)

Fundadora y codirectora del colectivo escénico Lagartijas Tiradas al Sol. Actualmente colabora con el Cine Too Lab y el Campamento Audiovisual Itinerante en la Sierra Juárez, además de desarrollar y coordinar el proyecto YIVI con niñas y niños en la Mixteca Alta en Oaxaca, México.

¿Por qué ver la obra?

“Limpiar la sangre” es un proyecto que nace hace más de 30 años. Es una búsqueda de vida devenida en ritual artístico, en donde no solo la autora y actriz insiste en encontrar un lugar de enunciación, sino también toda su familia; con el objetivo de remover ese ADN que contiene una historia de desposeimiento, de lucha, de miedo convertido en locura, pero también una fortaleza tan férrea como árboles de olivo.

“Limpiar la sangre” es una historia que reflexiona sobre el conflicto palestino-israelí y sobre cómo las vivencias de la guerra y los atropellos perpetrados entre seres humanos pueden permearse en las memorias familiares y sociales, originando daños muy profundos; pero también es un punto de referencia para iluminar muchos otros conflictos, para reflexionar sobre ellos y sobre todo para actuar por esas muchas otras comunidades acorraladas y empujadas por el beneficio de los más poderosos.

Premios:

Proyecto ganador de la ayuda a la coproducción de espectáculos de artes escénicas Iberescena-convocatoria 2020-2021.

Temporadas y presentaciones:

Temporada virtual: 4 fechas en diciembre del 2021, producidas por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico.

Pata de león. Episodio 1:
Granos de La Terminal Colectivo

Dirigido por Lucero Medina Hú

Función: jueves 10 de marzo
Hora: 19.00 horas
Lugar: Plazuela de las Artes
Público recomendado: apta para todo público

Duración: 25 minutos
Género: Documental expandido

Sinopsis

“Pata de león” es un proyecto de investigación escénica documental que presenta biografías vinculadas con la inmigración china al Perú, desde la herencia culinaria y su relación con la memoria, a través de diez episodios transmitidos desde una plataforma digital. En el episodio 1, “Granos”, navegamos en las memorias de las familias Yi Choy y Chung, por medio del archivo familiar, historias y recetas que nos muestran cómo sus ancestros atravesaron el mar para llegar al Perú y se establecieron las primeras comunidades de inmigrantes chinos en nuestro país.

Ficha técnica y artística

Episodio “Granos”
Dirección general: Lucero Medina Hú
Equipo de investigación y creación en escena : Julio Beltrán Guerra, Patricia Díaz Murillo, Lucero Medina Hú y Yolanda Rojas Medina
Asistencia de investigación y creación en escena: Analucía Rodríguez
Textos: Lucero Medina Hú
Testimonios de: Rocío Yi Choy , Alonso Quiroz Yi Choy, Rosario Chung y Ana Chung
Asistencia de producción: Dennis Hilario Castro
Dirección técnica y artística: Julio Beltrán Guerra
Dirección audiovisual: Patricia Díaz Murillo y Julio Beltrán Guerra
Musicalización y diseño sonoro: Abel Castro
Edición: Julio Beltrán Guerra y Patricia Díaz Murillo
Posproducción y colorización: Julio Beltrán Guerra
Community manager: Diego Rodríguez Petzoldt
Rodaje de puesta en escena y documental
Sonido directo: Yolanda Rojas Medina
Dirección de fotografía y cámara: Julio Beltrán Guerra, Patricia Díaz Murillo y Lucero Medina Hú
Asistencia general de rodaje en puesta en escena y documental: Analucía Rodríguez

Sobre la directora:

Lucero Medina Hú (Perú)

Directora, dramaturga e investigadora escénica. Explora temas que vinculan cuerpo, memoria, archivo y su relación con la escritura en el campo expandido. Bachiller en Artes Escénicas y magíster en Literatura Hispanoamericana (PUCP). Profesora del Departamento de Artes Escénicas (PUCP). Entre sus creaciones están “Extraño camino hacia mi voz” (2013), “Carguyoq-investigación acción escénica” (2018) y “Pata de león” (2021), ganadora de los Estímulos del Mincul 2020. Es parte de La Terminal Colectivo, con cuyos miembros desarrolla proyectos sobre migración e identidad. Actualmente es decana interina de la Facultad de Artes Escénicas (PUCP).

¿Por qué ver la obra?

“Pata de león” explora la inmigración china al Perú a través de la memoria culinaria de sus descendientes, en diez capítulos donde se presentan testimonios y archivos familiares como fotografías, objetos, recetas e insumos. Así, cada capítulo explora los vínculos entre el lenguaje escénico, plástico y audiovisual, donde los estímulos sensoriales como olores, texturas y sonidos, se vuelven metáforas para explorar dicha herencia culinaria y su aporte a la construcción de la identidad de nuestro país. Desde allí, proponemos un viaje hacia nuestros antepasados, para indagar en nuestro territorio y los sabores que nos unen, más de lo que imaginamos, cada vez que compartimos una mesa.

Premios:

Proyecto ganador de Estímulos Económicos para la Cultura 2020 del Ministerio de Cultura.

Temporadas y presentaciones:

Capítulo 0: Festival Sótano 02-febrero 2021

Emisión de los 10 capítulos: del 16 de octubre al 26 de diciembre del 2021