[Autor] Grupo Cultural Yuyachkani

[Textos] Miguel Rubio Zapata

[Actriz] Rebeca Ralli

[Dirección] Miguel Rubio Zapata

[Asistencia de dirección] Milagros Felipe Obando

[Productora general] Grupo Cultural Yuyachkani

[Productora asociada] Socorro Naveda

[Diseño plástico] Jorge Baldeón

[Diseño de vestuario] Julio Cajas

[Presentado por] Grupo Cultural Yuyachkani y el Centro Cultural de España en Lima

Hijo de perra o La anunciación se estrenó en septiembre de 2017 en Madrid, España, en el marco del Segundo Festival Internacional de Teatro “Territorios Teatrales Transitables” (TTT) de Residui Teatro. En Lima, se ha presentado en la Casa Cultural Yuyachkani; en Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (LUM); en la Casa de la Literatura; y recientemente en Quito, Ecuador, en el Encuentro de Mujeres en Escena “Tiempos de Mujer”.

En Hijo de perra o La anunciación, la actriz Rebeca Ralli comparte su quehacer artístico desde las preguntas con las que parte al abordar una creación, la reacción a estas preguntas mediante ejercicios para organizar los materiales que van apareciendo: la acción, la palabra, el canto y los temas presentes en el discurso escénico; recurriendo a ejemplos de sus diferentes personajes en las distintas puestas de Yuyachkani.

Miguel Rubio Zapata

Es miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani (1971) y se desempeña como su director. Postula un teatro de creación e investigación a partir del material que los actores producen. Es egresado de la Especialidad de Sociología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Inca Garcilaso de la Vega (1974) y doctor ​ honoris causa por el Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana (2010). Su experiencia tiene como base la investigación de la cultura peruana y su aplicación en las expresiones artísticas contemporáneas.

Ha publicado los libros ​ Notas sobre teatro (2000), ​ El cuerpo ausente: performance política (2008), ​ Raíces y semillas: maestros y caminos del teatro en América Latina (2011), ​ Guerrilla en Paucartambo (2013), la serie Memoria que  danza (2013) y​ El teatro y nuestra América (2013).

El Grupo Cultural Yuyachkani fue fundado en 1971; es una institución independiente, autogestionaria. Sus obras, su pedagogía y su Casa Teatro están dirigidas y relacionadas con la sociedad y la diversidad cultural peruanas. Yuyachkani renovó la escena peruana postulando un teatro inclusivo, democrático y de la memoria, que muestra la gran diversidad peruana, encontrando justamente ahí su punto de inspiración, tomando como referencia dos fuentes esenciales: por un lado, los ritos, lo sagrado, el espacio andino; y, por otro lado, la herencia de la teatralidad universal tanto de Oriente como de Occidente; para provocar una introspección en el pasado que nos hace entender el presente, e involucrando al espectador en un acto reflexivo y apasionante.

[Dramaturgia] Alfonso Santistevan

[Dirección] Alberto Isola

[Asistente de dirección] Daniela Zea

[Actores] Miguel Dávalos, Alejandra Guerra, Janncarlo Torrese, Santiago Torres

[Diseño de iluminación] Micaela Cajahuaringa

[Diseño de vestuario] Magnolia López de Castilla

[Concepto y realización de escenografía] Ana Osorio y Xabi Gracia

[Producción ejecutiva] Monserrat Gómez de la Torre y Yanira Dávila

[Producción general] Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas y el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú

[Presentado por] Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas y el  Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú

Esta obra fue presentada en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú el año 2018. El texto ha sido montado varias veces en Lima desde su estreno en 1993.

Vladimir retrata la desilusión de una generación ante el cambio. La mudanza de la madre a EE. UU. por motivos económicos representa la muerte de sus ideales y la despedida con su hijo, simboliza la necesidad de otros relatos que den sentido a la vida. Es uno de los textos fundamentales del teatro peruano contemporáneo. Apreciar esta obra ayuda a observar el pasado, para repensarlo, para no repetirlo.

Alberto Isola

Se formó como actor y director en Perú, Italia e Inglaterra. Ha recibido condecoraciones por el Congreso de la República, el Gobierno de Italia, la Municipalidad de Lima, el Ministerio de Cultura, entre otros. Es profesor de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP y de los talleres de actuación de Escena Contemporánea. Ha participado en más de un centenar de espectáculos teatrales, siendo los últimos, como actor, Vanya, Sonia, Masha y Spike; Cielo abierto; El gran teatro del mundo; La tempestad; Todos los sueños del mundo y Almacenados, en el teatro del CCPUCP. Asimismo, como director ha estrenado en los últimos años Nunca llueve en Lima, El dolor, La historia de un soldado, La piedra oscura y Cintas de seda. Y ha participado en múltiples telenovelas y series televisivas peruanas.

“La idea es confrontar dos generaciones que tienen distintas visiones sobre el futuro y los sueños […]. Era el inicio de la época de Fujimori y cuando se promulgó la nueva Constitución, algunas personas sentían que no había lugar para ellas en el Perú, por eso migraron” (Peru21.pe).

“Vladimir habla de los jóvenes de clase media que en los años setenta se comprometieron a luchar políticamente por la igualdad entre los peruanos. La acción sucede a inicios de los noventa –entre torres derribadas y apagones–: están desanimados después de lustros de incongrua espera, reducidos a precaria sobrevivencia, con temor a romperse, buscando reavivar los rescoldos de los ideales en los que creyeron […]” (El Comercio).

“Pobreza, migración, hiperinflación, violencia y crisis social fueron los problemas que marcaron a los peruanos en la década de los años 80 y parte de los 90. En esa línea, el escritor y director Alfonso Santistevan intenta evidenciar, a través de sus obras teatrales, una sociedad cuyo presente aún tiene heridas y problemas que no ha logrado resolver” (Diario Correo).

[Dirección artística] Sergio Maggiolo

[Dramaturgia] Creación colectiva

[Actores] Fernando Castro, Dusan Fung, Beatriz Heredia, Sergio Maggiolo, Óscar Meza, Jely Reátegui

[Producción general] Milagros Crisóstomo

[Asistentes de producción] Linda Pasco, Carlos Daniel Salazar

[Diseño de luces y sonido] Vanessa Geldres

[Presentado por] Un intento valiente

Esta obra fue presentada en Amaru Casa Cultural y en el Centro Cultural Cine Olaya en el año 2018.

Una obra con un formato novedoso mediante el cual el público decide qué historias se van a contar. De esta forma azarosa, los espectadores generan una nueva manera de contar la misma obra en cada función. Los actores construyen cada una de estas historias desde su mundo interior y con una gran dosis lúdica intentan sostener lo aparentemente insostenible, generando una metalectura de cómo construir espacios de convivencia sin grandes recursos, desde lo más sencillo.

Sergio Maggiolo

Actor, director y gestor de teatro. Se graduó como actor del Atlantic Acting School Conservatory de la Universidad de Nueva York en 2013, y, previamente, de los talleres de Bruno Odar, Alberto Isola y Roberto Ángeles. Hasta 2011 participó en producciones teatrales como El Señor de las Moscas y Amigos invisibles, entre otras, y en la película Vidas paralelas de Rocío Lladó. En Nueva York trabajó como actor y director con las compañías Pipeline Theatre Co., The Plinth y Untitled Players. Actualmente se desempeña como miembro del elenco de The Dirty Thirty de Degenerate Fox Theatre, compañía de la que es también cofundador. Es parte del colectivo Out of the Wings de King’s College London y asociado artístico de la Spanish Theatre Co., donde ha dirigido la primera versión en inglés de la obra La piedra oscura de Alberto Conejero; y ha actuado en versiones bilingües de Bodas de sangre y Los entremeses de Cervantes. Hoy dirige EVERFLEA, obra comisionada del festival de teatro latinoamericano CASA Festival a estrenarse en Londres en el mes de noviembre.

“La cuenta regresiva se detiene en 0:53, y yo estoy aplaudiendo y celebrando a rabiar. Aún no estoy seguro de cómo voy a definir el espectáculo que acabo de ver, pero tengo claro que es algo que todos deberían ver, al menos una vez en la vida” (La mula.pe).

[Dramaturgia y dirección] Mariana de Althaus

[Dirección adjunta] Nadine Vallejo

[Actores] Alberto Isola, Gabriel Iglesias, Sergio Llusera, Matías Raygada, Sofía Rocha, Vanessa Vizcarra

[Producción] Británico Cultural

[Asistente de producción] Norma Tolentino

[Grabación y edición de audios] Eduardo Ortega

[Diseño de utilería y escenografía] Eduardo Camino

[Diseño y realización de títeres y teatrín] Beatriz Chung

[Diseño de iluminación] Micaela Cajahuaringa

[Diseño de vestuario] Magnolia López de Castilla

[Asesoría coreográfica] Mónica Silva

[Presentado por] Británico Cultural

Esta obra fue presentada en el Teatro Británico el año 2018.

La obra habla sobre la dinámica de la creación teatral como un espacio privilegiado para observar asuntos que nos reflejan y nos importan a todos; temas que pueden ser abordados con la impunidad que da el escenario. Todos los sueños del mundo es una reflexión sobre el sentido que tiene construir esfuerzos colectivos no asociados a las exigencias del mercado, como el teatro. Nos interpela sobre los abismos que nos separan de las personas que pueden convertirse en nuestros espejos, y nos cuestiona sobre los caminos para acercarnos a los demás.

Mariana de Althaus

Dramaturga y directora de teatro. Bachiller en Literatura por la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y actriz egresada de los talleres de Roberto Ángeles y Alberto Isola. En el año 2002 estudió Dirección en la escuela La Casona en Barcelona, España. Fue ahí donde dirigió su primera obra titulada En el borde.

Entre las obras más destacadas que ha escrito y dirigido en el Perú se encuentran Criadero, Ruido, El lenguaje de las sirenas, El sistema solar, posteriormente llevada al cine, y Padre Nuestro. Estas dos últimas obras fueron nominadas a los premios Luces del diario El Comercio durante los años 2012 y 2013.

“La pieza es un reconocimiento al teatro peruano en la persona de Alberto Ísola. Es una puesta compleja, multirreferencial, metateatral, sinfónica y contrapuntística, que se da entre infinitos ensayos, repeticiones, regresiones, rememoraciones, apariciones, traslapes crónicos y descontextualizaciones, dentro de una estructura como de rompecabezas, que permite lucir el virtuosismo de los cinco actores y el esfuerzo del niño” (El Comercio).

“En esta sala de ensayo que se escenifica, se propone que parte del trabajo que realizan los actores requiere de un elemento clave, la empatía. Esa capacidad que permite ponerse en el lugar del personaje, comprenderlo y mirar el mundo a través de él. De alguna forma, para De Althaus, los actores son una suma de los personajes que representaron, que llevan una mochila imaginaria que se va llenando, con los años. Esa suma de lo vivido y lo creado” (Perú 21).

“Ella (Mariana de Althaus) le propuso hacer un montaje testimonial ─como otras de sus obras─, pero el resultado final resulta un homenaje al teatro peruano; además de una reflexión sobre la familia, los recuerdos y la necesidad de luchar por lo que uno cree” (RPP Noticias).

[Dramaturgia y dirección] Marisol Mamani Avilés

[Actores] Marisol Mamani Avilés y Ernesto Ayala Oria

[Asesoría de dirección] Yasmín Loayza

[Música en vivo] Pepe Toro

[Dirección audiovisual] Marcos Josué Arispe Tejada

[Producción general] Cristina Flores Cateriano y Marivel Ariza de Fértil Teatro

[Diseño de escenografía] Carola Gutiérrez Paz

[Diseño de vestuario] Marisol Mamani Avilés

[Diseño de iluminación] Carola Gutiérrez Paz

[Diseño de sonido] Marisol Mamani Avilés

[Dirección de movimiento/otros] Yasmín Loayza

[Realización de videos] Marcos Josué Arispe Tejada, Eduardo Castillo, Adaly Portocarrero y Ralp León Arias

[Presentado por] Fértil Teatro

Esta obra fue ganadora del Primer Festival de Escenas Cortas de la Escuela Nacional de Arte Dramático (Lima, Perú) en el año 2017.

Quédense cerca de mí reconstruye la memoria reciente de la historia del Perú. Relata la búsqueda que las madres víctimas del conflicto armado interno en los años 80 emprendieron para encontrar a sus familiares desaparecidos. Esta búsqueda es liderada por Mamá Angélica, fundadora de la Asociación Nacional de Familiares Secuestrados, Detenidos y Desaparecidos del Perú (Anfasep) y activista por los derechos humanos. Se estima que en ese período hubo más de 16 mil desaparecidos.

Marisol Avilés Mamani

Actriz egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENSAD) y de los talleres de Ópalo a cargo de Jorge Villanueva. Ha actuado en numerosas obras de teatro entre las que destacan Juan sin miedo, Peer Gynt y La piedra.

“Se trata de una puesta en escena inspirada en la vida de la activista y en las historias de otras mujeres, que combina el teatro testimonial con la performance y el documental” (Diario El Comercio).

“La puesta está a cargo de Marisol Mamani Avilés. Una creación híbrida de estilo posdramático que fusiona el teatro testimonial, el performático y el documental, ganadora del Primer Festival de Escenas Cortas de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENSAD) en 2017” (LaRepública).

[Dramaturgia y dirección] Leonor Estrada y Maricarmen Gutiérrez

[Asistencia de dirección] Jimena Acuña

[Testimoniantes] Liliana Albornoz, Vero Ferrari, Gina Guerrero, Haydee Massoni, Olga Mori

[Producción ejecutiva] Diana Daf Collazos

[Dirección audiovisual y arte] Diana Daf Collazos

[Cámara de video y fotografía] Kirk Noesdeaki

[Equipo de preproducción] Silvia Tomotaki, Antonio Venegas, Alejandro Larco, Milagros Felipe y Lucía Obando

[Gestión general del proyecto] Maricarmen Gutiérrez

[Presentado por] Proyecto Maternidades

Esta obra se presentó en el Festival Sótano 2, organizado por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, en el Centro Cultural de España en Lima, el FITECA en Lima y en el Festival Entepola en Jujuy (Argentina).

Proyecto Maternidades es una investigación escénica documental sobre los derechos sexuales y reproductivos de las mujeres en el Perú. Este proyecto articula una serie de testimonios personales enlazados por la experiencia de la maternidad, socialmente considerada como el centro de la vida sexual de las mujeres, y propicia la discusión abierta sobre el tema entre mujeres.

Leonor Estrada

Directora de teatro, actriz y activista feminista. Es bachiller en Artes Escénicas por la Facultad de Comunicaciones de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y egresada de la Escuela Profesional de Circo La Tarumba. Es directora y fundadora de TROT Teatro.

Ha dirigido En alta mar (2012) de Slawomir Morozek, Woyzeck. Experimento sobre el texto de Georg Büchner (2013-2014) y El anhelo de Juan (2016-2017), de Telmo Arévalo, y esta última obra fue seleccionada como participante de la edición 2017 del FAE Lima. Ha sido directora adjunta en obras de teatro testimonial, como Desde afuera (2014), dirigida por Sebastián Rubio y Gabriel de La Cruz y Tregua (2017), de Sebastián Rubio. También como directora adjunta ha participado del montaje Lucha Reyes (2017), de Eduardo Adrianzén, dirigida por Rómulo Assereto, y como asistente de dirección en Savia, de Luis Alberto León, dirigida por Chela de Ferrari (2017). Ha actuado en Deshuesadero (2016) y Gnossiene (2017), ambas obras de la Compañía de Teatro Físico, bajo la dirección de Fernando Castro. Actualmente estudia una maestría en Classical and Contemporary Text-Directing en el Royal Conservatoire of Scotland.

Maricarmen Gutiérrez

Directora de teatro, performer y activista feminista. Licenciada en Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Egresada del Curso de Especialización en Teatro y memoria, producido por el Goethe Institute-Lima y el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico.

En teatro ha sido directora adjunta de La hija de Marcial, escrita y dirigida por Héctor Gálvez. Ha co-dirigido con Fernando Castro A ver, un aplauso! – La Ruta Ambulante, de César de María. Ha dirigido Reflejo Animal, unipersonal de Moyra Silva (2015), además de performances individuales y colectivas en torno al tema de la despenalización del aborto en el Perú en diversos espacios. También escribió y dirigió Submarino en el Desierto.

Ha sido jefa de práctica del curso Proyecto Final de Artes Escénicas de la especialidad de Artes Escénicas en la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la PUCP (2016-2017) y jefa de práctica del curso Investigación Académica de la Facultad de Artes Escénicas de la  PUCP (2017-2018). Es artista colaboradora de elgalpon.espacio.

“Proyecto Maternidades es un impulso genuino, un bálsamo para hacer frente con honestidad a muchas de las incertidumbres que, como mujeres, nos toca vivir y a las elecciones que nos corresponden por derecho. Los testimonios de estas mujeres y sus diferentes puntos de vista –con los que se puede o no estar de acuerdo- han sido valiosos y valientes. Una puesta que no confronta; por el contrario, está hecha de mujeres para mujeres, que sin querer queriendo nos identificamos en alguna o parte de estas historias” (Blog El Oficio Crítico).

[Dramaturgia] Luis Alberto León

[Dirección] Chela De Ferrari

[Asistencia de dirección] Carlos Galiano

[Actores] Nidia Bermejo, Emilram Cossío, Rodrigo Rodríguez, Alaín Salinas, Jesús Tantaleán, Carlos Victoria

[Producción general] Mariana Soria

[Diseño de escenografía y vestuario] Chela De Ferrari, Luis Alberto León

[Diseño de iluminación] Jesús Reyes

[Diseño y producción sonora] José Balado

[Coreografía] Ana Correa

[Presentado por] Teatro La Plaza

Obra ganadora del Festival Sala de Parto del año 2013. Se estrenó en el Teatro La Plaza en 2014. Se presentó en diversos festivales internacionales como el Festival Santiago a Mil (Chile), el Cervantino (México), el Internacional de Buenos Aires (Argentina), el Festival de Teatro Iberoamericano “Adelante” (Heilderberg, Alemania) y el Festival Iberoamericano de Teatro (Bogotá, Colombia).

La cautiva reabre el debate sobre el trágico episodio en la historia del Perú: la guerra interna entre los años 1980 y 1992. Inspirada en un testimonio de la Comisión de la Verdad y Reconciliación (CVR) sobre los casos de delitos sexuales ocurridos en el pueblo de Uchiza. Es una obra que invita a revisar un episodio sumamente doloroso de la historia reciente del país, que aún se encuentra en proceso de sanación.

Chela De Ferrari

Estudió pintura en la Universidad de Río Piedras, en Puerto Rico, y teatro en el Club de Teatro de Lima. Trabajó como directora del Grupo Extras en Córdoba, Argentina, y luego, como directora invitada, en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Es fundadora y directora artística del Teatro La Plaza desde su creación en 2003. La programación, que incluye numerosas producciones, reúne textos clásicos y trabajos de nueva dramaturgia. En 2013 crea Sala de Parto, un programa para estimular el nacimiento de obras y autores peruanos, que premia anualmente diez obras por concurso. Algunos de sus trabajos como directora son La cautiva, de Luis Alberto León; Ricardo III, de William Shakespeare; La fiesta de cumpleaños, de Harold Pinter; El beso de la mujer araña, de Manuel Puig; La celebración, de David Eldridge; Coraje en el exilio, en homenaje a Bertolt Brecht, escrita y dirigida por ella; y El contrabajo, de Patrick Süskind, entre otras.

“Es un viaje donde la línea entre la vida y la muerte se pierde; o en todo caso se vuelve confusa, vaga, borrosa; gracias a que el autor decide usar un tema como la visión escatológica tan presente en zonas como Ayacucho para hacer más interesante aún su historia […]. La cautiva es una obra que viaja entre lo onírico, lo psicótico, y las creencias del mundo propio de cada uno de sus personajes” (Blog: Mi reino por una entrada).

“Es una reflexión de los peores años y de la violación más brutal de la historia peruana. Por una parte, de cómo el país se desangró por el terrorismo y, por otra, cuál fue la cruel respuesta de los militares” (útero.pe).

“Es, realmente, una obra de gran impacto emocional. En la sala, se creó un clima de tensión que nos tuvo al borde de las butacas. Luego de treinta años, las heridas no se cierran. El pueblo peruano, al igual que el nuestro y que muchos de América Latina, recrea y construye la memoria colectiva a través del arte, como una manera de exorcizar a los demonios del pasado” (Diario de Cultura -Argentina).

[Dirección] ​Miguel Rubio Zapata

[Dramaturgia] ​Creación colectiva de Angeldemonio Colectivo Escénico

[Asistencia de dirección] ​Silvia Tomotaki

[Actores] ​Ricardo Delgado y Augusto Montero

[Creación sonora] ​Abel Castro

[Luminotécnica] ​Igor Moreno Orosco

[Producción artística] ​Angeldemonio Colectivo Escénico

[Asistencia de vestuario] ​Carla Montalvo y Lola Montalvo

[Técnica danzaria Shápish] ​Edin Linares Mendoza

[Realización de máscaras y accesorios] ​Paul Colinó

[Comunicaciones] ​Laura Ortiz

[Registro fotográfico] ​Agustín Galván y Paola Vera

[Presentado por] ​Angeldemonio Colectivo Escénico

Durante el año 2018 esta obra se presentó en el Festival Sótano 2,organizado por el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico, y en la Casa Cultural Yuyachkani.

Exhumación es una obra que confronta a los peruanos con sus prejuicios acerca de las ideas que existen sobre cómo se construye la masculinidad, así como con el proceso que implica la deconstrucción de dicho concepto. Intenta indagar, en un lenguaje metafórico, los mecanismos de la estructura patriarcal sobre la cual sigue funcionando la sociedad peruana.

Miguel Rubio Zapata

Es miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani (1971) y se desempeña como su director. Postula un teatro de creación e investigación a partir del material que los actores producen. Es egresado de la Especialidad de Sociología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Inca Garcilaso de la Vega (1974) y doctor ​ honoris causa por el Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana (2010). Su experiencia tiene como base la investigación de la cultura peruana y su aplicación en las expresiones artísticas contemporáneas.

Ha publicado los libros ​ Notas sobre teatro (2000), ​ El cuerpo ausente: performance política (2008), ​ Raíces y semillas: maestros y caminos del teatro en América Latina (2011), ​ Guerrilla en Paucartambo (2013), la serie Memoria que  danza (2013) y​ El teatro y nuestra América (2013).

“Desde la presentación de la danza guerrera de los shápish, el baile de machos que es tradicional de la fiesta de la Cruz de Mayo de Chupaca (Junín), ​Exhumación busca explorar y encontrar respuestas sobre la masculinidad” ​(El Comercio)​.

“​Exhumación es una propuesta desde la teatralidad. La escena es el lugar que problematiza la propia condición de los creadores y la imagen que tienen sobre ellos mismos; un lugar de preguntas antes que respuestas; un lugar de riesgo incómodo” ​(La República)​.

[Dramaturgia] ​Tomás Carreño y Sue Morrison

[Dirección] ​Sue Morrison

[Interpretación] ​Tomás Carreño

[Producción general] ​Silvia La Torre

[Escenografía] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Diseño de iluminación] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Vestuario] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Musicalización] ​Sue Morrison y Tomás Carreño

[Fotografía] ​Luciana Arispe

[Presentado por]​ Tomás Carreño

Esta obra se presentó en los festivales Street A(rt)nimation Festival en Luxemburgo y Lima Divergente en Lima, durante el año 2018.

Porque ​nos habla de la importancia de comunicar nuestras circunstancias con honestidad y transparencia. De esta manera, escucharnosyentendernos los unos a los otros se convierte en una tarea primordial que trasciende cualquier época y lugar.

Sue Morrison (directora y autora):   

Sue Morrison ha enseñado, dirigido y colaborado con actividades de ​ clown y bufón de todo el mundo durante más de treinta años. Sus alumnos se presentan actualmente en el ​ Cirque du Soleil, ​ Slava’s Snow Show, ​ Blue Man Group y ​ Second City. Sue ha cocreado y dirigido más de treinta espectáculos galardonados, incluyendo ​ The Fantastical Tragical Clown Show, ​ Flawed Genius​ , la trilogía de​ Burnt Tongue y Knot… My Best Moments, y es cocreadora y directora del popular bufón, ​ Red Bastard. Su trabajo es el foco de varios documentales.

[Dramaturgia] ​Carlos González Villanueva

[Dirección] ​Fernando Castro

[Actores] ​Paris Pesantes, Walter Ramírez, Rodrigo Rodríguez, Sammy Zamalloa, Diego Sakuray, Verony Centeno, Tirso Jose Causillas

[Dirección de arte] ​Ana Cecilia Chung

[Iluminación] ​Lucho Baglietto

[Producción general] ​Compañía de Teatro Físico

[Presentado por] Compañía de Teatro Físico y el Centro Cultural de la Universidad de Lima

Obra ganadora del Festival Sala de Parto 2014. Tuvo una temporada el año 2016 en el Teatro Ricardo Blume. Se presentó el 2017 en el Festival Temporada Alta (Perú) y el 2018 en el Centro Cultural de la Universidad de Lima.

Porque nos habla sobre los dilemas sociales a los que se enfrenta el individuo en la sociedad contemporánea. La cultura del éxito, por tanto, se convierte en una terrible pesadilla monótona. A partir de lo satírico y del humor negro, se busca resaltar los conflictos de quienes intentan encontrar su espacio y razón de ser en esta vida, de pertenecer y ser reconocido en un contexto que les resulta ajeno.

Fernando Castro

Se formó como payaso junto al grupo Pataclaun (2005) y como bailarín en la Escuela de Danza Contemporánea de la PUCP (2011). Su formación lo llevó a viajar a Argentina donde entró en contacto con profesores de la escuela internacional de Jacques Lecoq (2006). Este fue el punto de partida para su investigación alrededor del movimiento, la danza, el teatro y el humor. Ha dirigido cinco obras que combinan la música en vivo, el ​ clown, el drama y la fantasía. Como coreógrafo ha trabajo en teatro, televisión y cine para grupos de danza, circo y teatro. Ha escrito y dirigido eventos institucionales para diversas organizaciones.

“¿Qué es más sádico: que el victimario intente convencer y pedir la aprobación de su presa para someterla o que la víctima acepte su papel de afectada? Esta es la pregunta con la que parte la obra […] ​Deshuesadero muestra cómo el ser humano puede llegar a la resignación a través del tormento” ​(El Comercio)​.

“​Deshuesadero resulta, en este contexto, un experimento interesante. Partiendo de ideas de maestros como Jacques Lecoq, la obra encuentra una manera distinta de responder a su tiempo y de comprobar así que el sistema capitalista en el que nos encontramos afecta nuestra corporalidad y nos moldea como individuos” ​(El Oficio Crítico)​.

“‘Esta historia tiene más la lógica de una pesadilla’, ha dicho Fernando Castro sobre la obra. No le falta razón: Deshuesadero nos confronta con una sociedad moderna que ciega el corazón de las familias y les llena la cabeza de ideas equivocadas sobre el éxito y la plenitud” ​(Blog En Lima)​.

[Idea original y dirección] ​Jorge Castro

[Dramaturgia] Jorge Castro, Mateo Chiarella, Héctor Gálvez, Gino Luque, Gerardo Ruiz Miñán

[Asistencia de dirección]​ Mikhail Page

[Actores] ​Eduardo Camino, Manuel Gold y Óscar Meza

[Diseño de escenografía y utilería]​ Eduardo Camino

[Diseño sonoro y música original] ​Santiago Pillado-Matheu

[Diseño de iluminación]​ Rolando Muñoz

[Dirección audiovisual]​ Aldo Cáceda

[Movimiento escénico]​ Ana Chung

[Vestuario]​ Magnolia López de Castilla

[Realización de videos]​ Aldo Cáceda, Héctor Gálvez

[Fotografía]​ Julián Estrada, Carlos Galiano, Paola Vera

[Producción general] ​Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

[Presentado por] Jorge Castro y el Centro Cultural de la Universidad  del Pacífico

Esta obra sepresentóelaño2011enelMALIyelaño2018enelCentroCultural de la Universidad del Pacífico.

Una obra que ahonda en la construcción de la identidad de los peruanos, a partir del empleo de una propuesta escénica desde el falso documental.  Juega con hechos históricos y ficticios para poner en escena las dificultades y prejuicios que tenemos como sociedad.

Jorge Castro

Se formó como psicólogo clínico en la Pontificia Universidad Católica del Perú; al mismo tiempo, desarrolló su formación teatral por medio de diversos talleres de actuación, dramaturgia y dirección con maestros como Mario Delgado, Roberto Ángeles, Alonso Alegría, Edgar Saba, entre otros. Comenzó su labor como director en 1997 con ​ Ilusos (montaje ganador del Segundo Festival de Teatro Peruano Norteamericano), y desde entonces ha combinado la dirección y la dramaturgia. Ha dirigido ​ Caballito  del diablo de Fermín Cabal (1999); escrito y dirigido ​ Desvío 2 (2004), obra inspirada en el cuento​ El falso autostop de Milan Kundera;​ Traición de Harold Pinter (2006); ha escrito y dirigido ​ No pasa nada (2008); codirigido ​ Aeropuerto de Gino Luque (2011); ​ Astronautas (versión 2011); ​ Drácula (2012), adaptación teatral de la novela de Bram Stoker; ha escrito Newmarket, un suburbio muy al Norte, obra ganadora del segundo premio en el Tercer Concurso de Dramaturgia Peruana“Ponemos Tu Obra en Escena”organizado por el Británico Cultural, la cual fue estrenada en el año 2012; ​ Edipo Rey de Sófocles (2015); y escribió el guion de la película Norte​, que está basado en su obra teatral ​ Newmarket.

Desde el año 2016, conduce el taller de dirección teatral ​ Biopsia​, dirigido a profesionales de la artes escénicas y audiovisuales, en el marco de los talleres del Teatro La Plaza.

“Es de destacar, finalmente, la presencia de nuevos videos, a la manera de falsos documentales, que dotan de verismo a un relato poderoso, que aunque se plantee fantástico, tiene tantos nexos con la realidad como cualquier drama que se precie” ​(El Comercio)​.

“[…] es una de las comedias más inteligentes del teatro peruano contemporáneo” ​(Exitosa Noticias)​.

“Es, al decir de sus propios protagonistas, una historia delirante, pero contada con mucha verdad. Contribuye a ello toda la parafernalia de la puesta en escena: luces, sonidos de fondo, voz en ​off y videos con testimonios que a la manera de un falso documental hablan de esos astronautas que alguna vez conocieron” ​(La República)​.

“​Astronautas nos lleva hasta el espacio exterior para reflexionar con una sonrisa sobre cómo somos.” ​(La República)​.