Question 1

Atrapados

Accepted Answer

Escrita por María Teresa Zúñiga Norero
Dirigida por Jorge Antonio Miranda Silva
Grupo de Teatro Expresión
Huancayo / Perú
En alianza con el Ministerio de Cultura y el Gran Teatro Nacional

Funciones:
9 de marzo | 8:30 p.m.
10 de marzo | 12:30 p.m. y 8:30 p.m.

Lugar: Gran Teatro Nacional
Ingreso: libre. El canje de entradas de las obras de acceso libre se habilitará más adelante.

Público recomendado: Apta para todos
Duración del espectáculo: 65 minutos
Género: Drama

Sinopsis:
En un espacio atemporal, tres personajes se encuentran encerrados y transitan por diferentes momentos de constante incertidumbre, tratando de encontrar una salida. En el desarrollo de la obra nos van mostrando sus temores, sus anhelos, sus recuerdos, sus esperanzas, sus desconfianzas y un posible final trágico. Con un discurso apocalíptico, nos proponen un diálogo alarmante y revelador. Los tres personajes transitan por situaciones extremas desde sus perspectivas, llevando al público a reflexionar sobre contextos de nuestra realidad. Finalmente, proponen una salida sorprendente.

Ficha técnica y artística:
Dirección: Jorge Antonio Miranda Silva
Dramaturgia: María Teresa Zúñiga Norero
En escena: Marco Antonio Miranda Zúñiga, Marco Ríos Calderón y Jorge Luis Miranda Zúñiga
Dirección de movimiento y coreografía: Victor Meza
Diseño de escenografía: Grupo de Teatro Expresión
Diseño de vestuario: Grupo de Teatro Expresión
Sonido y música: José Loncharich
Producción general: Grupo de Teatro Expresión

¿Por qué ver la obra?
El teatro cumple un rol vital en nuestros días frente a la inercia existencial. Atrapados es una propuesta teatral que apunta a ser considerada como parte de las teatralidades que existen en el escenario nacional y latinoamericano. Tres personajes, sin nombres, pero con identidad propia frente al encierro, tratando de encontrar respuestas o una simple fórmula para salir y entender el porqué de esta condición. Un espacio que puede ser un país, tres personas que son parte de las diferentes idiosincrasias y una búsqueda a través de las emociones y situaciones diversas para reflexionar sobre nuestra situación actual. Ver Atrapados puede ser el camino para encontrar el significado y significante de nuestras incógnitas frente a la vida. Nos brinda un espacio de disfrute estético y, a la vez, un redescubrir de nuestras sensaciones, tocando temas que nos interesan. Atrapados es un espacio para apreciar la singularidad sobre lo que significa el encierro, la locura, la muerte y la certeza de un hecho trascendental: estar vivos.

Sobre la dramaturga:
María Teresa Zúñiga Norero
Actriz, directora y dramaturga de teatro. Fundadora del Grupo de Teatro Expresión de Huancayo. Docente de literatura y teatro. Ha escrito más de 60 obras, donde destacan: Zoelia y Gronelio, Mades Medus, Génesis, Una hora bajo el puente, Atrapados y Corazón de Fuego. Ha sido publicada por universidades y editoriales nacionales y considerada en diversas antologías latinoamericanas. Ha participado como jurado, expositora y tallerista en eventos internacionales en Venezuela, Bolivia, Colombia, Cuba, México, Dinamarca y Estados Unidos. Es Personalidad Meritoria de la Cultura y Premio Nacional de Dramaturgia.

Sobre el director:
Jorge Antonio Miranda Silva
Actor, director y fundador del Grupo de Teatro Expresión de Huancayo. Docente de teatro y artes plásticas, con 44 años de experiencia en la actuación y 39 en la dirección teatral. Ha participado en eventos a nivel nacional e internacional, siendo los principales: Festival de Teatro de Oriente y Países Bolivarianos – Venezuela, Festival de la Cultura – Bolivia, Festival de Teatro por la Vida – Lima, Festival Sala de Parto – Lima. Asimismo, ha sido reconocido por diferentes instituciones importantes de la ciudad de Huancayo. Principales obras puestas en escena como director: Corazón de Fuego, Tinieblas del Emperador, Génesis, Una Hora bajo el Puente, Atrapados.

Question 2

Cariño Malo

Accepted Answer

Escrita y dirigida por Alejandro Clavier
Ministerio de La Belleza en coproducción con Sala de Parto – La Plaza
Lima / Perú

Funciones:
6 de marzo | 10:30 p.m.
7 de marzo | 6:00 p.m.

Lugar: Teatro La Plaza

Público recomendado: Mayores de 18 años
Duración del espectáculo: 75 minutos
Género: Teatro

Sinopsis:
“Lo obsceno” se refiere a lo que es tan desagradable, impactante o inmoral que debe mantenerse fuera (ob) de la escena (scena): fuera de la vista del público. La historia de Silvio, por varias razones, estaría dentro de esa categoría. Quizás por eso es una radionovela.

Una sociedad castradora, secretos del pasado y una maleta llena de dinero son algunos de los ingredientes de este homenaje al melodrama iberoamericano. La misteriosa alquimia de grandes clásicos de la música criolla peruana reinterpretados desde una mirada queer se despliega en una historia sobre la búsqueda de la independencia y el deseo.

Una versión de esta obra recibió un reconocimiento en el Concurso de Dramaturgia 2024 del Teatro Británico y forma parte de las ayudas concedidas a la producción internacional de Iberescena. Es la primera producción del Ministerio de La Belleza.
Primera temporada en noviembre del 2025 en el Centro Cultural PUCP.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgo, director y productor general: Alejandro Clavier
Directora adjunta: Claudia Tangoa
En escena: Sebastián Stimman, Diego Salinas y Alejandro Clavier
Composición musical y producción: Kayfex (Perú)
Diseño de escenografía: Magali Acha (Argentina)
Diseño de iluminación: Marvin Calle
Diseño de vestuario: Vladimir Sánchez (Chile)
Diseño de sonido: Favio Rojas
Diseño de Folleys: Guadalupe Otheguy (Argentina)
Edición audiovisual: Nicole Hurtado
Productora creativa: Lillian White
Producción general: Ministerio de La Belleza
En coproducción con: Teatro La Plaza
Colaboración: Iberescena

¿Por qué ver la obra?
Porque crea en vivo todos sus sonidos, revelando los mecanismos del radioteatro clásico en un juego escénico entre lo audible y lo visible. Porque explora el tránsito de la radionovela a la telenovela para mostrar lo obsceno: aquello que la sociedad intenta ocultar. Porque, desde una mirada queer, reescribe el melodrama y sus códigos de deseo, culpa y moral, exponiendo la represión y el placer como fuerzas que moldean los cuerpos. Porque seguimos a Silvio en una travesía violenta, sensual, cómica y desesperada por liberarse del dominio materno y de las voces que lo formaron. Porque incluye siete canciones criollas reinterpretadas queer, que funcionan como coros sentimentales e irrupciones poéticas que dialogan con lo popular y lo disidente.

Sobre el dramaturgo y director:
Alejandro Clavier
Artista interdisciplinario venezolano-peruano radicado en Lima que presenta producciones en formatos teatrales, audiovisuales y curatoriales. Desde 2013 dirige Sala de Parto: un programa de creación y festival de Teatro La Plaza. En 2024 fue becario de Chevening y cursó una maestría en Gestión Cultural y Políticas Públicas en Birkbeck, Universidad de Londres.

Su trabajo como artista ha sido invitado a festivales en Perú, Argentina, Chile, Brasil, Portugal, Panamá e Irlanda del Norte. Fue cofundador y director de Cultura de la ONG Presente, la cual trabaja por los derechos de la comunidad LGTBIQ+ en el Perú. En 2025 fundó Ministerio de La Belleza, una compañía productora de artes escénicas.

Question 3

Des-Conocido

Accepted Answer

Escrita y dirigida por Miguel Rubio Zapata
Grupo Cultural Yuyachkani
Lima / Perú

Funciones:
7 y 8 de marzo | 8:30 p.m.

Lugar: Teatro Yuyachkani

Público recomendado: 18 años
Duración del espectáculo: 75 minutos
Género: Drama

Sinopsis:
En “DES-CONOCIDO”, Julián Vargas, actor de Yuyachkani, fusiona en su trabajo artístico elementos autorreferenciales de su trayectoria como actor y músico, incluyendo personajes de su repertorio que reaparecen en nuevos contextos y que, al mismo tiempo, se enlazan con testimonios de su labor pedagógica realizada en un hospital de pacientes afectados por su salud mental (Pabellones 12 y 13 del Hospital Víctor Larco Herrera).

El personaje transita entre el presente y el pasado, entre lo real y lo imaginario, entre la ficción y la autoficción. Entre los recuerdos de su oficio de actor, su experiencia pedagógica con pacientes afectados en su salud mental, su mirada crítica al mundo militar, entre otros.

En esta propuesta escénica, las memorias e historias personales del actor se suman a personajes de sus obras y se encuentran con otras historias sociales recogidas en el hospital. De esta manera, el devenir escénico transita por el testimonio, la representación y la presentación de hechos y vidas, reales y ficcionadas, de los personajes que se evocan, invitando al público asistente no solo a experimentar de manera racional, sino a compartir un momento empático con los pacientes afectados.

Ficha técnica y artística:
En escena: Julián Vargas
Dramaturgia y dirección: Miguel Rubio Zapata
Dirección asistente: Hugo Mendoza Mosquera
Producción: Socorro Naveda
Coordinación técnica: Jorge Rodríguez Chipana
Diseño sonoro: Gabriella Paredes
Diseño de iluminación: Jorge Rodríguez Chipana
Equipo audiovisual: Diana Daf Collazos y Gabriella Paredes
Imágenes de apoyo: Samuel Vera, Arturo Márquez
Redes sociales Yuyachkani: Fiorella Bastidas
Fotografías: Roberto Zamalloa

¿Por qué ver la obra?
Aporte al desarrollo cultural: el impulso principal de este trabajo es sensibilizar sobre la condición humana, especialmente sobre las personas atravesadas por una enfermedad mental, el encierro y el olvido, en particular la esquizofrenia como enfermedad mental que se agravó con la pandemia del COVID-19.

El arte como herramienta para visibilizar la salud mental como un derecho humano, que implica que todas las personas tienen derecho a atención especializada y a no ser estigmatizadas ni discriminadas. La obra busca llamar la atención y sensibilizar sobre los temas de salud mental presentes en nuestra sociedad actual, la situación de abandono de los pacientes, especialmente en poblaciones vulnerables, así como el rol del Estado y de la sociedad para extraer lecciones y estímulos que contribuyan a su mejora.

Sobre el director:
Miguel Rubio Zapata
Miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani (1971) y director del mismo, donde postula un teatro de creación e investigación a partir del material que los actores producen. Su experiencia se basa en la investigación de la cultura peruana y su aplicación en las expresiones artísticas contemporáneas. Doctor Honoris Causa otorgado por el Instituto Superior de Arte de la Universidad de La Habana, Cuba (2010); Premio Nacional de Cultura 2019 en la categoría “trayectoria”, otorgado por el Ministerio de Cultura del Perú.

Dirige intervenciones escénicas, obras teatrales y creaciones colectivas. Ha dictado cursos, seminarios y conferencias en diferentes partes del Perú y del mundo, como China, Japón, Estados Unidos, Puerto Rico, Cuba, Brasil, Chile, Colombia, Italia, España y México. Ha publicado los libros: Huacón, el danzante volador, serie Memoria que Danza (2024); Sin Título Técnica Mixta (2024), entre otros.

Sobre Yuyachkani:
El Grupo Cultural Yuyachkani se fundó en 1971 y su nombre proviene de una palabra quechua que, traducida al español, significa “estoy pensando, estoy recordando”. Vista en el tiempo, la obra de Yuyachkani puede leerse en paralelo con momentos gravitantes de la realidad social y política del Perú. Desde allí se gestan sus procesos creativos, con el interés de dialogar con su tiempo y proponer un teatro crítico, inconforme y reflexivo.

A lo largo de su trayectoria, Yuyachkani ha recorrido múltiples caminos escénicos, buscando una comunicación efectiva en un país tan diverso. Su trabajo se nutre de fuentes culturales diversas y combina tradición y modernidad. Este 2026 cumple 55 años de trayectoria ininterrumpida, consolidándose como un referente pedagógico y un centro de investigación escénica ligado a la cultura peruana y latinoamericana.

Question 4

El hazmerreír

Accepted Answer

Escrita por Verony Centeno y Job Mansilla
Dirigida por Verony Centeno
Ovejas Negras – Humor y Sociedad
Lima / Perú

Funciones:
7 y 8 de marzo | 6:00 p.m.

Lugar: Teatro UPC

Público recomendado: Mayores de 14 años
Duración del espectáculo: 70 minutos
Género: Autoficción

Sinopsis:
El Hazmerreír cuenta la historia de un padre y un hijo marcados por el arte de hacer reír. Chimi, cómico ambulante de los años noventa, enfrenta la precariedad, el olvido y la pérdida de su voz tras una vida dedicada al humor popular. Su hijo, comediante contemporáneo, busca reconciliarse con su historia familiar y con una herencia artística construida entre la calle, el circo y la televisión.

La obra, escrita por Verony Centeno y Job Mansilla, combina humor, memoria y dolor para rendir homenaje a los cómicos populares del Perú y reflexionar sobre la dignidad del artista. A través de una puesta íntima y de ficción testimonial, El Hazmerreír revela cómo la risa puede ser también un acto de resistencia, afecto y reparación.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia: Verony Centeno y Job Mansilla
Dirección: Verony Centeno
En escena: Job Mansilla
Asistente de dirección: André Portugal
Diseño de escenografía: César Ulloa
Dirección de luces: Manuel Ruiz Pimentel
Musicalización: Giovanni Oviedo
Producción ejecutiva y de montaje: Genoveva Huerta
Asistente de producción: Guliana Huerta

¿Por qué ver la obra?
El Hazmerreír propone mirar el humor no como evasión, sino como memoria, resistencia y ternura. A través del encuentro entre un padre y un hijo marcados por el oficio de hacer reír, la obra revela la humanidad del comediante popular y su capacidad de transformar el dolor en risa. Una experiencia íntima que combina humor, emoción y memoria para homenajear el legado cultural del humor peruano.

Sobre el dramaturgo:
Job Mansilla
Comediante y actor con más de trece años de trayectoria, ha desarrollado un camino singular en la fusión de la comedia con el teatro, transitando de la improvisación y el humor popular hacia la creación escénica con una fuerte carga testimonial. En El Hazmerreír, asume el doble rol de intérprete y creador, construyendo una dramaturgia que entrelaza ficción y memoria colectiva.

Sobre la dramaturga y directora:
Verony Centeno
Artista escénica, directora y creadora con más de quince años de trayectoria. Ha trabajado como actriz en montajes nacionales e internacionales y ha participado en festivales teatrales en Brasil, Chile y Bolivia. Es bailarina, improvisadora y creadora de obras que integran dramaturgia, movimiento y dirección, explorando cuerpo, memoria y emoción como herramientas de construcción escénica. Como actriz, ha sido dirigida por Mariana de Althaus, Juan Carlos Fisher, Claudia Tangoa y Vanessa Vizcarra. En El Hazmerreír, desde su rol como directora y dramaturga, desarrolla un lenguaje contemporáneo y sensible que combina humor, cuerpo y memoria, vinculando lo personal con lo social.

Question 5

El rincón de los muertos

Accepted Answer

Escrita por Sebastián Rubio 
Dirigida por Sebastián Rubio y Yanira Dávila
Centro Cultural PUCP
Beneficiaria del programa FAE Incuba 2023–2024
Lima / Perú

Funciones:
9 de marzo | 8:30 p.m.
10 de marzo | 4:00 p.m.

Lugar: Teatro de la Alianza Francesa de Lima

Público recomendado: Mayores de 15 años
Duración del espectáculo: 80 minutos
Género: Teatro documental

Sinopsis:
El rincón de los muertos es una obra de teatro documental que rescata la memoria cultural e histórica de Ayacucho a través de una exploración escénica profundamente personal. Protagonizada por Ricardo, actor y danzante de tijeras ayacuchano, la obra parte de su historia familiar como una vía para reflexionar sobre el impacto de los grandes procesos históricos en la identidad regional y nacional del Perú.

Desde una mirada íntima, la obra pone en diálogo el testimonio individual con momentos clave de la historia colectiva: la Batalla de Ayacucho como símbolo fundacional de la República, los movimientos sociales por el derecho a la educación en décadas recientes y las secuelas del conflicto armado interno. El rincón de los muertos se enfoca en la experiencia vivida: cómo se habita una tierra marcada por la memoria, la resistencia y la tradición.

A partir de archivos familiares, memoria oral y expresiones de la cultura andina —como la danza de las tijeras—, la obra construye un lenguaje escénico donde lo personal se cruza con lo histórico. La danza, en este contexto, no solo es una manifestación artística, sino también una forma de preservar y transmitir identidad.

Ficha técnica y artística:
Dirección: Sebastián Rubio y Yanira Dávila
Asistencia de dirección: Camila Palao
En escena: Ricardo Bromley
Fotografía escénica: Paola Vera
Diseño espacial y de luces: Mariano Márquez
Composición de música original: Pauchi Sasaki
Programación musical: Ray Tafur
Asistente de producción musical: Milagros Liendo
Visuales: Sofía Velázquez y Milagros Rossi
Producción general: Centro Cultural PUCP

¿Por qué ver la obra?
Porque es una obra que combina historia, memoria y arte para revelar la profundidad cultural de Ayacucho a través de una biografía íntima y conmovedora. A partir del cuerpo, la palabra y la danza de las tijeras, la pieza conecta hitos históricos —desde la Batalla de Ayacucho hasta los conflictos recientes— con rituales, música, cosmovisión andina y memoria familiar.

Verla significa acercarse a expresiones culturales vivas, escuchar el quechua, redescubrir tradiciones y comprender cómo los procesos históricos han marcado la identidad de un pueblo. La obra promueve el orgullo por nuestras raíces, dignifica historias personales y fortalece el vínculo entre pasado y presente. Además, aporta al panorama teatral peruano al integrar el teatro documental, el biodrama y el testimonio escénico, ofreciendo una experiencia sensible, contemporánea y profundamente significativa.

En síntesis, es un viaje artístico y emocional que invita a comprender el Perú desde la memoria, la cultura y la belleza de sus gestos más íntimos.

Sobre el dramaturgo y director:
Sebastián Rubio
Egresó de Artes Escénicas en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha tomado talleres con Carlos Cueva, Gisela Cárdenas, Roberto Ángeles y Claudio Tolcachir. Realizó un internship en Bread and Puppet Theater (EE. UU.) y seminarios con actores del Odin Teatret (Dinamarca), del Grupo Timbre 4 (Argentina) y con Fernando Piernas (CDMX).

Como actor de teatro ha participado en montajes como En la jungla de las ciudades, La cocina y Electra/Orestes dirigidos por Gisela Cárdenas; Sin Título, Técnica Mixta de Yuyachkani; Aquellos Dos en Teatro La Plaza; Home I’m Darling, Ricardo III y Un monstruo viene a verme en el Teatro Británico.

En cine actuó en Cielo oscuro de Joel Calero, El abuelo de Gustavo Saavedra, LXI de Rodrigo Moreno del Valle y Reinas de Klaudia Reynicke, premiada en la Berlinale. En televisión participó en De Vuelta al Barrio (América TV, 2017–2021), Nina de Azúcar (2024–2025) y condujo el programa AmbienTv (TV Perú).

Como director ha creado obras de teatro documental como Proyecto 1980/2000, Desde Afuera, Tregua y el programa Reporteros Ambientales del Perú. Dirigió el documental Tierra sin aire, producido durante el confinamiento a partir de testimonios de médicos en primera línea. Actualmente desarrolla el unipersonal El rincón de los muertos, proyecto ganador del FAE Incuba 2024.

Sobre la directora:
Yanira Dávila
Licenciada en Ciencias y Artes de la Comunicación por la Pontificia Universidad Católica del Perú. Realizó un intercambio académico en la Universidad del Salvador (USAL), Buenos Aires. Ha complementado su formación actoral y escénica con talleres junto a La Laura Palmer (Chile), Mariana de Althaus (Perú), entre otros.

Como directora teatral ha realizado las obras Así de simple, ganadora del XV Festival Saliendo de la Caja, y El rostro, ganadora del Premio del Público en el Festival Peruano-Americano del ICPNA. Ha sido asistente de dirección en San Bartolo, Fuck Cáncer, Tebas Land, entre otras. Como productora, ha trabajado en el CCPUCP en obras como Patrón Leal y 33 Variaciones.

Actualmente desarrolla el unipersonal El rincón de los muertos, obra de teatro documental que entrelaza memoria política y danza ancestral, seleccionada por FAE Incuba 2024 del Festival de Artes Escénicas de Lima. En televisión, ha trabajado en programas culturales y educativos emitidos por Canal IPe y TV Perú. Dirigió el corto documental Tierra sin aire, producido durante la pandemia de COVID-19.

Question 6

Hamlet

Accepted Answer

OBRA INAUGURAL
Escrita y dirigida por Chela De Ferrari 
Teatro La Plaza
Lima / Perú

Funciones:
4 y 5 de marzo | 8:00 p.m.

Lugar: Teatro NOS PUCP

Público recomendado: Mayores de 12 años
Duración: 95 minutos (sin intermedio)
Género: Adaptación de un clásico

Sinopsis:
Un grupo de personas con síndrome de Down toma el escenario para compartir sus anhelos y frustraciones a través de una versión libre de Hamlet. La obra es un tejido entre el texto de Shakespeare y la vida de los actores y toma como punto de partida la pregunta que nos formula frente a la existencia. ¿Ser o no ser? ¿Qué implica ser para personas que no encuentran espacios donde se los tome en cuenta?
Históricamente las personas con SD han sido consideradas como una carga, un desecho social. ¿Qué valor y sentido tiene su existencia hoy en un mundo donde la eficiencia, la capacidad de producción y modelos inalcanzables de consumo y belleza son el paradigma del ser humano?

Ficha técnica y artística: 
Dramaturgia y dirección general: Chela De Ferrari
Dirección y dramaturgia adjunta: Claudia Tangoa, Jonathan Oliveros y Luis
Alberto León
En escena: Octavio Bernaza, Jaime Cruz, Lucas Demarchi, Manuel García, Diana Gutierrez, Cristina León Barandiarán, Ximena Rodríguez y Álvaro Toledo
Entrenamiento Vocal: Alessandra Rodríguez
Coreografía: Mirella Carbone
Visuales: Lucho Soldevilla
Diseño de Iluminación: Jesús Reyes
Producción: Teatro La Plaza

¿Por qué ver la obra?
Esta producción ha sido presentada en algunos de los teatros y festivales más importantes del mundo, como el Festival Internacional de Edimburgo, el Chicago Shakespeare Theater, el Barbican Centre y el Luminato Festival de Toronto. Ha llegado a 51 ciudades en 20 países y ha sido traducida a 11 idiomas, consolidándose como una de las propuestas latinoamericanas más relevantes de la escena contemporánea.

Ocho actores con síndrome de Down toman un texto canónico y lo transforman en una experiencia profundamente humana. La directora coloca en sus manos un material históricamente reservado para figuras “icónicas”, generando una provocación poderosa: ¿qué significa “ser o no ser” para quienes rara vez encuentran espacios donde su existencia sea plenamente reconocida? A partir de más de un año de trabajo, la obra teje temas esenciales de Hamlet con vivencias, deseos y preguntas reales del elenco, creando una versión libre que conmueve, cuestiona y amplía nuestra mirada sobre quién puede —y debe— ocupar el escenario.

Sobre la dramaturga y directora:
Chela De Ferrari
Fundadora del Teatro La Plaza en 2003, un espacio clave para la escena teatral en el Perú, donde fue Directora Artística hasta 2021. Su programación abarca tanto dramaturgia contemporánea como reinterpretaciones de clásicos. Como impulsora de la nueva dramaturgia peruana, en 2013 creó Sala de Parto, plataforma de creación y experimentación que ha dado voz a una nueva generación de dramaturgos. 
En 2019 amplió su visión artística hacia el cine con la creación de La Plaza Media, y Ser Hamlet es su debut como directora cinematográfica.

Entre sus montajes más recientes destacan su versión libre de La gaviota de Chéjov, estrenada en 2024 en el Festival de Aviñón con un elenco de actores y actrices con discapacidad visual, producida por el Centro Dramático Nacional de España, así como relecturas de Shakespeare, incluyendo, además de Hamlet, Mucho ruido por nada y Ricardo III, adaptadas por ella misma. En colaboración artística con el dramaturgo Luis Alberto León, ha dirigido obras fundamentales de la dramaturgia peruana, como La cautiva (2015), Savia (2017) y La barragana (2023), que exploran episodios de extrema violencia de la historia republicana del Perú.

En noviembre del 2026 estrenará la obra de teatro Magda en el Teatro María Guerrero, producida por el Centro Dramático Nacional de España y el Teatro Nacional de Bruselas.

Question 7

InBestia

Accepted Answer

Escrita por Mariela Noles Cotito y Luis Alberto León
Dirigida por Patricia Biffi y Mariela Noles Cotito
Centro Cultural de la Universidad del Pacífico
Lima / Perú

Funciones:
8 y 9 de marzo | 8:30 p.m.

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico

Público recomendado: Mayores de 14 años
Duración: 65 minutos (sin intermedio)
Género: Drama

Sinopsis:
La obra está ambientada en la Biblioteca Nacional. Parte del robo de libros e incunables nacionales descubierto hace algunos años para explorar la lucha entre la integridad y la corrupción en la condición humana.

Beatriz, la nueva directora de la institución, intenta frenar el saqueo sistemático del patrimonio cultural. Su empeño la enfrenta a Alicia, jefa del área legal y líder de una red clandestina de trabajadores que justifican el robo como una forma de supervivencia. Entre manipulaciones, violencia simbólica y tensiones raciales, ambas mujeres revelan heridas profundas. Eutimia, trabajadora precarizada, completa un triángulo que desnuda la desigualdad estructural.

En un solo acto, la obra explora poder, memoria y corrupción, llevando la humanidad al límite.

Ficha artística y técnica:
Dramaturgia: Mariela Noles Cotito y Luis Alberto León
Dirección: Patricia Biffi y Mariela Noles Cotito
En escena: Liliana Trujillo, Cecilia Monserrate y Lupe Ramos
Diseño de iluminación: Julio Beltrán
Diseño de escenografía: Juan Sebastián Domínguez
Diseño sonoro: Abel Castro
Diseño de vestuario: Walter Vásquez
Visuales: Juan Carlos Yanaura
Utilería: Beatriz Chung, Colores Castillo, Claudia Castro
Asesoría de movimiento: Lucía Meléndez
Diseño gráfico: Fernando Prieto
Fotografía de afiche: Javier Fernández Maldonado
Fotografía escénica: Paola Vera
Producción general: Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

¿Por qué ver la obra?
Porque InBestia nos obliga a preguntarnos en qué momento perdimos el sentido de nuestra historia. Funciona como un aullido que irrumpe en la quietud y nos enfrenta a la corrupción, la precariedad y las jerarquías que sostienen nuestra vida cotidiana.

El saqueo de la Biblioteca Nacional no es solo un delito, sino el síntoma de un país que normaliza la impunidad y olvida el valor de su memoria. La obra no moraliza: confronta y recuerda que una biblioteca no es solo una colección de libros, sino el resguardo de nuestras voces, nuestro origen y nuestro destino colectivo.

Sobre la dramaturga y directora:
Mariela Noles Cotito
Profesora de Discriminación y Políticas Públicas en la Universidad del Pacífico. Abogada por la PUCP; máster en Derecho por la University of Pennsylvania; máster en Estudios Latinoamericanos y Ciencia Política por la University of South Florida. Autora de diversos textos académicos y de divulgación sobre derechos humanos, igualdad de género, etnicidad y políticas públicas. Se acerca al teatro como una plataforma de reflexión pública, con obras como Recuerdos de Octubre e InBestia.

Sobre el dramaturgo
Luis Alberto León:
Pintor y dramaturgo, egresado de la Facultad de Artes Plásticas de la PUCP. Entre sus obras destacan La Cautiva (Premio Sala de Parto 2013), La Barragana, Savia, Sadhaka e InBestia.

Sobre la directora:
Patricia Biffi
Licenciada en Artes Escénicas por la PUCP y máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Castilla-La Mancha en colaboración con el Museo Reina Sofía. Ha dirigido y creado obras y conferencias performativas presentadas en Perú y Europa.

Question 8

La melancolía de las plantas

Accepted Answer

Compra aquí

Escrita y dirigida por Gabriella Paredes
 Lima / Perú

Funciones:
8 de marzo | 10:00 a.m.
14 de marzo | 4:00 p.m.

Lugar:
Teatro Campus Lima Norte – Universidad Científica del Sur

Público recomendado: Mayores de 16 años
Duración: 50 minutos
Género: Autoficción teatral

Sinopsis:
Después de un accidente que la obliga a detenerse, una actriz pierde fragmentos de su memoria. Acompañada por sus plantas, intenta recuperar esos episodios perdidos mientras atraviesa un tiempo marcado por el dolor, el cuidado y el amor.

La melancolía de las plantas se construye a partir de una escritura que cruza la ficción con el archivo personal —diarios, recuerdos y registros audiovisuales— junto a una experimentación sonora que acompaña la escena. Palabra, sonido y visualidad se articulan en un lenguaje escénico contemporáneo que une lo íntimo con lo sensorial, proponiendo una relación sensible entre lo humano y lo no humano, y un viaje donde el deseo y la memoria florecen entre la fragilidad y la esperanza.

Ficha técnica y artística:
En escena: Gabriella Paredes
Dramaturgia y dirección: Gabriella Paredes
Asistencia de dirección: Patricio Lagos
Producción: Gabriella Paredes
Asistencia de producción: Fiorella Bastidas La Torre
Diseño sonoro: Gabriella Paredes
Diseño de iluminación y coordinación técnica: Jorge Rochi
Producción técnica y operación de sonido y video: Alejandro Siles

¿Por qué ver la obra?
La melancolía de las plantas invita a vivir una experiencia íntima y sensorial que surge desde la pérdida y la fragilidad. La obra abre un espacio para pensar el deseo y la posibilidad de amar con libertad, dando lugar a afectos y vínculos que se sitúan fuera de las normativas hegemónicas.

A través de un lenguaje escénico contemporáneo, propone una relación sensible entre lo humano y lo no humano, donde ecología y lo queer se entrelazan. Las plantas ocupan la escena no como escenografía, sino como presencias activas, desplazando la mirada antropocéntrica del arte.

La actriz habita un cruce entre ficción y realidad que se transforma en un acto colectivo de empatía. Plantas, sonido y palabra construyen un jardín escénico donde la memoria florece como resistencia. Una propuesta que conmueve sin artificios e invita a pensar el cuidado, la vida y la belleza que puede surgir incluso en medio del dolor.

Sobre la dramaturga y directora:
Gabriella Paredes
Actriz, diseñadora de sonido, directora y dramaturga. Egresada del TUC, bachillera en Artes Escénicas y Magíster en Escritura Creativa. Desde 2010 forma parte del Grupo Cultural Yuyachkani como colaboradora, participando en montajes, laboratorios y giras internacionales.

Su trabajo cruza actuación, escritura y sonido desde la autoficción, la creación colectiva y las teatralidades queer. Ha realizado el Diplomado en Prácticas Performativas en el Museo de Arte Moderno de Medellín y participado en MediaLab Matadero (Madrid), así como en una residencia de dramaturgia con The SuperGeographics en el marco de Sala de Parto del Teatro de la Plaza.

Su práctica se enfoca en la escritura de la memoria y el cuerpo, atravesada por cruces con lo interespecie, lo objetual y lo tecnológico, entendidos como territorios vivos de creación escénica y poética.

Compra aquí

Question 9

Los héroes de mi patria

Accepted Answer

Compra aquí

Escrita por Ernesto Barraza Eléspuru
Dirigida por Rocío Limo
Compañía Archivo Nacional 
Universidad Científica del Sur 
Lima / Perú

Funciones:
8 de marzo | 12:00 p.m.
14 de marzo | 6:00 p.m.

Lugar:
Teatro Campus Lima Norte – Universidad Científica del Sur

Público recomendado: Mayores de 14 años
Duración: 50 minutos
Género: Teatro documental, conferencia performática

Sinopsis:
Tras la venta de la casa familiar, Ernesto Barraza Eléspuru inicia una investigación sobre su ascendencia materna que deriva en el (re)descubrimiento de una tradición militar en la que diversos personajes del pasado se encuentran vinculados a acontecimientos clave de la historia del Perú.

A través de documentos, fotografías, video en circuito cerrado y la manipulación de objetos miniatura, se construye en escena un recorrido que va desde las guerras de la independencia hasta el presente. En este tránsito, el intérprete confronta los fantasmas del pasado y se cuestiona a sí mismo, a su herencia familiar y, sobre todo, su lugar y su rol como peruano dentro de la historia de su país.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia: Ernesto Barraza Eléspuru
Dirección: Rocío Limo
En escena: Ernesto Barraza Eléspuru
Diseño sonoro: Daniel Cano
Diseño de iluminación: Cristiano Jara
Maqueta: Marijú Núñez Malakovski
Producción general: Monserrat Gómez de la Torre

¿Por qué ver la obra?
Los héroes de mi patria propone una reflexión profunda sobre la identidad nacional a partir de la experiencia personal del intérprete, quien pone el cuerpo en escena para interpelarse a sí mismo, a su linaje y al público.

La obra plantea preguntas esenciales: ¿qué Perú defendieron quienes lucharon en el pasado?, ¿qué idea de país heredamos?, ¿qué Perú imaginamos hoy? En un contexto donde las reflexiones en torno al bicentenario siguen vigentes, el montaje invita a repensar el concepto de Estado-nación desde la memoria íntima y la historia compartida.

Las preguntas que emergen trascienden el caso peruano y dialogan con cualquier espectador, nacional o extranjero, activando cuestionamientos universales sobre la identidad, el origen y el vínculo entre la historia personal y la colectiva.

Sobre el dramaturgo e intérprete:
Ernesto Barraza Eléspuru
Dramaturgo, director e investigador escénico. Su práctica artística se ha centrado en el teatro documental, la historia personal y la memoria. Entre sus trabajos más recientes destacan las autoficciones Los héroes de mi patria (2024) y Transgeneracional (2022).

Ha escrito, dirigido y producido más de 15 obras teatrales, varias de ellas reconocidas en festivales y concursos nacionales. Es Doctor en Estudios Teatrales por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), miembro fundador de la Red Internacional de Investigadores de Teatro Latinoamericanos y Europeos y actual Decano de la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Científica del Sur.

Sobre la directora:
Rocío Limo
Dramaturga, actriz y directora. Su trabajo articula lo íntimo con lo político, explorando memoria, cuerpo y vínculos desde una escritura potente y personal. Ha sido reconocida con el Premio Luces a Mejor Dramaturgia 2023 y el segundo puesto del Premio Nacional de Dramaturgia 2024.

Ha dirigido obras propias y de otros autores, participado en residencias internacionales y trabajado como guionista en televisión, cine y plataformas digitales. Actualmente dirige el espacio Hagamos un drama y dicta el curso La forma del drama en el CELCIT.

Compra aquí

Question 10

Niños caen de los árboles

Accepted Answer

Escrita y dirigida por Mariana de Althaus
Lima / Perú

Funciones:
5 y 6 de marzo | 8:30 p.m.

Lugar:
Teatro de la Alianza Francesa de Lima

Público recomendado: Mayores de 14 años
Duración: 90 minutos
Género: Drama

Sinopsis:
Angélica regresa a la vieja casa hacienda después de haber estado cinco años fuera de su país. La casa y el jardín de los cerezos, sostenidos durante ese tiempo por su hija Alma, están a punto de ser vendidos en subasta pública.

Dalila, hija de un antiguo empleado de la hacienda y hoy una exitosa empresaria emergente, propone una alternativa para evitar la pérdida de la propiedad. En medio de tensiones familiares, heridas sociales y relaciones de poder históricas, una familia adinerada y quienes trabajaron para ella enfrentan un cambio irreversible que pone en evidencia las fracturas de la sociedad peruana contemporánea.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Mariana de Althaus
En escena: Kareen Spano, Lucho Cáceres, Augusto Casafranca, Carolay Rodríguez, María Alejandra Fernández, Sammy Zamalloa, Kiara Quispe, Brian Cano
Asistencia de dirección: Pável Paniagua
Dirección de movimiento: Lita Baluarte
Diseño de escenografía: Martín Dulanto
Diseño de vestuario: Dania Granda
Diseño sonoro y composición musical: Gonzalo Polar
Producción: Claudia García
Producción original: ICPNA

¿Por qué ver la obra?
Niños caen de los árboles revisita El jardín de los cerezos para interrogar el presente peruano desde sus profundas desigualdades sociales. La obra despliega las brechas, la polarización y el menosprecio hacia la población andina como ejes de una crisis que desemboca en ruinas.

Es una reflexión incómoda y necesaria sobre la imposibilidad del diálogo, la falta de empatía y los relatos que sostienen una república fracturada. En este Perú contemporáneo, los árboles ya no dan frutos: dejan caer cuerpos que no tuvieron tiempo de crecer.

Sobre la dramaturga y directora:
Mariana de Althaus
Dramaturga, directora y profesora de teatro. Estudió Literatura Hispanoamericana en la Pontificia Universidad Católica del Perú y se formó como actriz con Roberto Ángeles y Alberto Isola. Ha escrito y dirigido más de veinte obras teatrales, entre ellas El sistema solar, Padre Nuestro, La vida en otros planetas, Quemar el bosque contigo adentro y Niños caen de los árboles.

Sus montajes han sido invitados a festivales internacionales como Santiago a Mil (Chile), Festival de Cádiz (España), Festival Hispanoamericano de Teatro de Miami (EE. UU.) y Festival Mirada (Brasil). Su obra Quemar el bosque contigo adentro participó en La Mousson d’été 2022 (Francia) y en el Encuentro de Dramaturgia Punto Cadeneta Punto 2024 (Colombia).

Question 11

Rito de paso

Accepted Answer

Escrita y dirigida por Fab Trindad
Lima / Perú – Brasil

Funciones:
9 y 10 de marzo | 8:30 p.m.
Lugar: Teatro La Plaza

Público recomendado: Mayores de 18 años
Duración del espectáculo: 60 minutos
Género: Teatro contemporáneo

Sinopsis:
Rito de Paso es una acción escénica, un acto colectivo de invocación conmemorativa, un ritual comunitario de ofrenda, oración y contemplación que pone a los cuerpos maricas de Abya Yala en el centro de la escena. La palabra, el cuerpo y la composición de imágenes son la posibilidad de llamar a las ancestras maricas sudacas para seguirnos existiendo, conforme convocan nuestros deseos infinitos. Fab Trindad pone su cuerpo en la escena, acompañado de máscaras, danzas y músicas, invocando deidades míticas, cotidianas y personales, componiendo con ellas imágenes-poesías para compartir historias de nuestro territorio sur, creando mundos aún no pensados e inaugurando otros modos de imaginación política.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia, dirección, diseño de vestuario y video: Fab Trindad
En escena: Fab Trindad
Asesoría escénica: Miguel Rubio Zapata y Liliana Albornoz
Diseño de sonido: Gabriella Paredes y Fab Trindad

¿Por qué ver la obra?
Rito de Paso es una obra-respuesta a la violenta discriminación hacia las/los/les maricas, cuerpos que no se ajustan a los modelos hegemónicos, normativos y binarios de la sociedad. La obra se impulsa desde una investigación creativa sobre las ancestras maricas latinoamericanas, desde deidades mitológicas hasta existencias cotidianas. Otra dimensión fundamental es la construcción de un territorio que trasciende los límites de la idea moderna de “nación”, tejiendo una transnación sudaca que articula autobiografía, testimonio, relatos ficticios, crónicos, míticos, periodísticos y religiosos. Todo ello se articula en una puesta en escena multidisciplinar que se manifiesta como un potente manifiesto poético.

Sobre el dramaturgo y director:

Fab Trindad
Artista multidisciplinar brasileño, residente en el Perú. Desde 2008 desarrolla una práctica artística orientada a la reivindicación de la transnacionalidad en Abya Yala y al reconocimiento de saberes no hegemónicos y disidentes. Ha creado obras unipersonales y colectivas junto a agrupaciones como Mayombe Grupo de Teatro, Oficcina Multimédia, Tambor Mineiro, Grupo Cultural Yuyachkani, Coletivo Mulheres Míticas, Zula Cia. de Teatro, Mamãe tá na plateia, Cóccix Cia. Teatral y Quik Cia. de Dança, además de colaborar con artistas como Ione de Medeiros, Maurício Tizumba, Ana Correa, Teresa Ralli, Sara Rojo, Mônica Ribeiro y Miguel Rubio Zapata.

Investigador de posdoctorado en Artes Escénicas por la ECA/USP y Doctor en Artes por la UFMG. En 2024, su tesis fue reconocida como la Mejor Tesis en el Gran Premio UFMG en la Gran Área de Ciencias Humanas, Sociales Aplicadas, Lingüística, Letras y Artes, así como la Mejor Tesis del año 2023 de la Escuela de Bellas Artes de la UFMG.

Question 12

Sus faldas son olas

Accepted Answer

Escrita por Deysi Forcades y Jorge Castro
Dirigida por Jorge Castro
Lima / Perú

Funciones:
5 y 6 de marzo | 6:00 y 8:30 p.m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico

Público recomendado: Apta para todos
Duración del espectáculo: 55 minutos
Género: Concierto escénico

Sinopsis:
Concierto escénico que ofrece al espectador un viaje emocional vinculado a la experiencia de la migración, no solo en un sentido territorial, sino también simbólico: también se migra cuando se cierran ciclos y se inicia algo nuevo. Toda elección vital supone dejar algo atrás y encontrarse con lo desconocido. La artista cubana Deysi Forcades ofrece, con su voz y acordeón, acompañada de una pedalera con la que produce ecos y capas sonoras, un conjunto de canciones surgidas durante su primer tiempo de estadía en el Perú, cuando la extrañeza ante el nuevo entorno y la nostalgia del lugar de origen se volcaron en sonidos, melodías, acciones performáticas y palabras.

Ficha técnica y artística:
En escena: Deysi Forcades
Composición de canciones (letra y música): Deysi Forcades
Diseño de sonido: Jóse San Miguel
Fotografías del mar y cielo: Claudia Córdova
Edición de imágenes: Santiago Guerra
Dramaturgia: Jorge Castro y Deysi Forcades
Dirección y diseño de iluminación: Jorge Castro
Producción general: Jorge Castro

¿Por qué ver la obra?
Por su innovadora propuesta a nivel de contenido y lenguaje. La obra invita a participar de una experiencia de conexión y empatía con la experiencia migratoria, a contramarcha de los discursos de odio y discriminación que se expanden a nivel mundial. Vivimos entre migrantes —todos lo somos de alguna forma— y la sensibilidad y honestidad con que Deysi Forcades comparte su experiencia personal permite comprender los procesos internos que atraviesa una persona migrante, o que uno mismo ha vivido al migrar.

Sin colocar al migrante en una posición de víctima, la obra reconoce su vulnerabilidad y necesidad de encuentro en un proceso de cambio que, si bien puede conducir al crecimiento y al enriquecimiento mutuo, también puede resultar riesgoso cuando se vive en contextos de violencia y exclusión.

A nivel del lenguaje escénico, el espectáculo propone una exploración interdisciplinaria con una poética original. La obra migra constantemente entre lenguajes, valorando cada código y potenciando su complementariedad para ofrecer una experiencia sensorial, emocional y reflexiva integral.
Un viaje.

Sobre el dramaturgo y director:

Jorge Castro
Dramaturgo y director de teatro. Psicoterapeuta y psicoanalista en formación. Se inició en la dirección con Ilusos (ganadora del Festival de Teatro Peruano Norteamericano, 1997). Ha escrito y dirigido obras como Desvío 2 (2004), No pasa nada (2008), Astronautas (2011 y 2018), Drácula (2012) y Estar (2020, formato virtual). Es autor de Newmarket (2.º premio del Concurso de Dramaturgia Peruana “Ponemos tu obra en escena”, 2011), así como del guion de su versión cinematográfica Norte (2019).

Entre sus trabajos como director destacan Traición de Harold Pinter, Edipo Rey de Sófocles (Premio Luces, 2015) y Despertar de primavera de Frank Wedekind.

Sobre la dramaturga y performer:

Deysi Forcades
Actriz cubana con experiencia en cine y teatro. Formada en el Instituto Superior de las Artes de Cuba. Integró, entre 2011 y 2021, la compañía de teatro El Público, dirigida por Carlos Díaz, participando en obras como Antigonón, Peer Gynt, Decamerón, Ivonne Princesa de Borgoña, Balada del pobre BB, Andamio, El fin de todos los milagros, Las amargas lágrimas de Petra Von Kant y Wonderland Avenue.

Con Antigonón, su obra de tesis posteriormente incorporada al repertorio de la compañía, participó en festivales internacionales de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Fue parte del equipo docente de los talleres de Técnica Meisner de la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños (2013–2021). En el Perú ha trabajado en La mujer con cabeza de serpientes (2023), La cena (2025) y Sus faldas son olas (2024–2025), obra de la que es compositora, co-creadora y performer.

Question 13

Ultramar

Accepted Answer

Escrita y dirigida por Cecilia Borasino Martínez
Lima / Perú

Funciones:
9 de marzo | 6:30 p.m.
10 de marzo | 8:30 p.m.
Lugar: Teatro Británico

Público recomendado: Mayores de 14 años
Duración del espectáculo: 60 minutos
Género: Danza – Homenaje

Sinopsis:
Ultramar es un proyecto escénico inspirado en la obra poética y plástica de J. E. Eielson. La pieza, estructurada en cinco actos cromáticos, integra danza, teatro, poesía, música y artes visuales. Desde la idea de un cuerpo sin límites, tres intérpretes exploran arquetipos eielsonianos —el nudo, la silla, el paisaje infinito de la costa del Perú— como metáforas de lo visible y lo oculto. Ultramar, como travesía simbólica, invita al público a conectar con el misterio del lugar que ocupamos en el mundo, reflexión que atraviesa la poética y la obra de Eielson.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Cecilia Borasino Martínez
En escena: José Alejandro Ruíz Subauste, Ana Lucía Saavedra Mavila, Marco Miguel Ravines Espinoza
Asistencia de dirección: Paula Bruce Rheineck
Dirección de arte: Lina María Durán Martínez
Composición musical y sonora: Martín Rodrigo Jiménez Paz
Producción general: Urpi Castro Chávez

¿Por qué ver la obra?
Ultramar es una experiencia sensorial que rinde homenaje a la obra de J. E. Eielson, uno de los artistas peruanos más prolíficos. A través de la danza, la poesía, la música y lo visual, el espectáculo despliega un universo donde los cuerpos y los objetos trascienden su forma para convertirse en símbolos, lenguaje y paisaje.

Es una invitación a cruzar los límites de lo visible y entrar en un territorio poético y onírico, donde el cuerpo se vuelve espacio de exploración, metáfora y resonancia emocional. Ver Ultramar es acercarse al arte de Eielson como vivencia: sentir la materia del vacío, las voces que resuenan desde el silencio y descubrir nuevas formas de conexión con lo invisible. Porque Ultramar es más que danza; es una experiencia viva que interpela lo profundo y despierta la imaginación, invitando al espectador a sumergirse en su propio mundo interior.

Sobre la dramaturga y directora:

Cecilia Borasino Martínez
Bailarina y coreógrafa formada en Danza Lima y psicóloga por la PUCP. En 2008 fundó Atmósfera – Movimiento, Arte y Salud, espacio desde el cual investiga la identidad y lo femenino a través de mitos y arquetipos, articulando una mirada artística y terapéutica. Su trabajo integra danza, performance, videoarte, música, poesía y diseño de vestuario, explorando la potencia del cuerpo como vía de conocimiento, memoria y creación. Ha representado al Perú en escenarios nacionales e internacionales (Grecia, Costa Rica y Estados Unidos) y ha recibido reconocimientos de AECID, Jóvenes Coreógrafos UNMSM, Culturaymi – Juegos Panamericanos y los Estímulos Económicos para la Cultura del MINCUL 2024 con Ultramar, obra con la que participó en el XXXVII Festival Danza Nueva del ICPNA 2024.

Question 14

Y si soy un ángel

Accepted Answer

Compra aquí

Escrita y dirigida por Lui Vizcarra Cornejo
Lima / Perú

Funciones:
9 de marzo | 5:00 p.m.
12, 13 y 14 de marzo | 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio Británico de Miraflores

Público recomendado: Mayores de 18 años
Duración del espectáculo: 50 minutos
Género: Danza – artes vivas

Sinopsis:
¿Él o ella? Un cuerpo andando en una trotadora, sin inicio ni final, solo el aquí constante y suspendido entre el detrás y el adelante. Un cuerpo que se transforma andando hacia lo divino, que se desdibuja a sí misma para encontrarse con su propia manera de ser un ángel.

Esta pieza explora el proceso de transición de género a través del caminar como acción poética para el autodescubrimiento. Recorre prácticas como el modelaje, el andar y el voguing para encontrar en la trotadora una manera de preguntarse por los procesos de transformación humana.

Ficha técnica y artística:
Dramaturgia y dirección: Lui Vizcarra
En escena: Lui Vizcarra, Nia Zambrano, África Nakamura y Koji Aranda
Dirección de luces: Andrea Vásquez
Producción general: Luciana Queiroz Góngora
Vestuario: Lui Vizcarra

¿Por qué ver la obra?
Esta obra trae a escena la problemática de los cuerpos trans, cuerpos que hoy en día están siendo víctimas de procesos de criminalización y deshumanización impulsados por una tendencia mundial a invisibilizarlos. Su particularidad radica en que no aborda lo trans únicamente desde lo queer, sino que lo posiciona como parte de la experiencia humana, entendiendo que gran parte de la vida implica preguntarnos quiénes somos, qué somos y cómo ese cuestionamiento se refleja en nuestro cambio constante.

Además, la obra propone un formato innovador para las artes escénicas en nuestro país, nutrido por múltiples disciplinas, que activa la presencia del público dentro de la escena, invitándolo no solo a intervenir, sino también a formar parte del paisaje escénico que se construye. La trotadora transforma la concepción tradicional de la danza, generando una escenografía singular que, en un espacio reducido, logra atravesar múltiples ideas y experiencias.

Sobre la dramaturga y directora:

Lui Vizcarra
Artista trans, coreógrafa, gestora cultural y bailarina profesional de danza contemporánea, ritmos latinos y vogue. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la UCLM (Madrid).

Ha dirigido e interpretado procesos de creación escénica a nivel nacional e internacional, compartiendo su trabajo en Perú, Colombia, México, Reino Unido, España y Bélgica. Forma parte de la comunidad Ballroom Lima desde 2021, desde donde visibiliza, a través de la gestión cultural y la creación artística, las problemáticas de las personas trans. Entre sus creaciones más recientes se encuentran Y si soy un ángel, Orinar sentado, El Gran Salso y Otros salseos posibles. Actualmente es docente en la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP y en la Escuela Profesional de Danza de la UNMSM.

Compra aquí

FAE PRESENTA

Últimas obras y novedades